Par VANDERLEI TENÓRIO*
Du point de vue hitchcockien, il était important que le public en sache plus que les personnages, afin de créer du suspense.
Le style hitchcockien comprend l'utilisation du mouvement de la caméra pour imiter le regard d'une personne, transformer les spectateurs en voyeurs et concevoir des plans pour maximiser l'anxiété et la peur. Le critique de cinéma Robin Wood a déclaré que le sens d'un film d'Hitchcock "est dans la méthode, dans la progression d'un plan à l'autre. Un film d'Hitchcock est un organisme, le tout se manifestant dans chaque détail et chaque détail relié au tout ».
En collaboration pour le site Miroir factuel, Miguel Cunha dos Santos a décrit que pour Hitchcock, l'appareil photo était bien plus qu'un instrument de capture d'images. Quoi que le cinéaste ait utilisé, ils avaient un but supérieur à leur fonction première. Les caméras étaient les yeux du spectateur et c'est à travers elles qu'Hitchcock racontait et construisait les récits.
À cette occasion, Cunha analyse que, bien qu'il soit fondamental et toujours présent, le dialogue pour le cinéaste n'était rien de plus qu'un simple bruit au milieu de tant d'autres. Il a servi à raconter des histoires car il fait partie de l'être humain : c'est qui nous sommes et c'est notre principal outil de communication. Pourtant, dans les films du maître du suspense, les dialogues étaient placés à un niveau inférieur à la narration visuelle.
Du point de vue hitchcockien, il était important que le public en sache plus que les personnages, afin que le véritable moment de suspense puisse être créé : le second où l'on sait que quelque chose va se passer, que le personnage est peut-être en danger et que le spectateur, les nerfs à fleur de peau, t'as juste envie de crier "Sortir!".
Hitchcock avait l'habitude d'inclure un meurtre ou un crime au début de ses films, de sorte que le public serait curieux de savoir comment l'intrigue se développerait et quel serait son résultat. Sérgio Alpendre dit que les idées visuelles proposées par Hitchcock sont toujours frappantes, c'est-à-dire que depuis ses films muets, le réalisateur s'est rendu compte que, n'ayant pas l'audio comme collaborateur, il avait besoin d'attirer l'attention par le visuel pour fidéliser les spectateurs.
Alpendre souligne que la mort représentée dans les films du réalisateur serait alors un événement remarquable, qui place les spectateurs en témoins oculaires, qu'ils soient impartiaux ou sympathiques à l'un des protagonistes. Généralement placé au début, il incite le spectateur à regarder la suite du film et à voir comment l'histoire se terminera.
En 2018, l'article publié dans la revue Displinarium Scientia, écrit par Eduardo Biscayno de Prá et Michele Kapp Trevisan a mis en évidence une autre grande différence dans les films d'Hitchcock : le son. L'Anglais s'est rendu compte très tôt que le traitement du son contribuait à capter l'attention du public. Dans le mémoire de maîtrise, intitulé "La musique dans la construction du récit cinématographique (Alfred Hitchcock & Stanley Kubrick)", Ana Patrícia da Silva Gonçalves a expliqué qu'en ce qui concerne l'utilisation du son dans les films, Hitchcock, dès ses premiers films sonores, l'a considéré comme une nouvelle expression de l'art cinématographique - le son a aidé à créer des sentiments tels que l'excitation, la tension, et même , à exprimer ce qui est sous-entendu, le sous-texte non dit.
La musique était un autre élément crucial dans les films du réalisateur. Hitchcock a utilisé la musique pour créer ou maintenir le suspense, exprimer les émotions ou l'ambiance qu'il souhaitait dans la scène, créant une familiarité entre le public et le film en reliant un certain personnage à un certain son ou à une certaine mélodie. Fait important donc, Hitchcock s'est soucié de créer un lien par l'émotion avec les spectateurs.
Pour confirmer l'importance de la bande sonore pour la structuration technique, on peut citer, à titre d'exemple, la mémorable bande sonore composée par Bernard Herrmann (1911-1975) pour Psychose (1960). Dans le long métrage, la bande originale elle-même consiste en un total de 34 insertions tout au long du film, basées sur différents thèmes - cela signifie que, tout au long du film, il y avait 34 scènes contenant de la musique, le reste du film étant composé de dialogues ou des scènes muettes.
Ainsi, l'audio des films du réalisateur était davantage travaillé sur la base de la partition musicale que sur le discours des personnages, créant, par moments, une atmosphère de suspense qui portait les intentions voulues par le réalisateur. Le silence des personnages, utilisé comme une pause dramatique, corroboré pour augmenter l'atmosphère de tension, suscitant la curiosité des spectateurs.
Dans la lignée du récit hitchcockien, le cinéaste anglais avait sa propre méthode narrative, qu'il appelait MacGuffin (parfois McGuffin ou Maguffin), qui consistait à introduire dans l'intrigue un objet dont la fonction était uniquement d'être un prétexte à l'avancement de l'histoire. histoire, apparemment aléatoire au développement du récit.
Jorge Louraço a souligné que le MacGuffin est ce qui motive l'action du personnage, un prétexte pour que l'action se produise et active l'attention du spectateur - pour mieux visualiser, par exemple, le MacGuffin dans le film Psychose c'est l'argent volé au patron. L'argent n'est utilisé que pour conduire le personnage Marion Crane au motel Bates, mais en arrivant au motel, l'argent perd de son importance au cours de l'histoire.
Personnages de construction :
Shana Silveira Torres a décrit qu'Hitchcock travaillait beaucoup sur le profil de ses personnages, car il pensait qu'ils ne devraient pas avoir une identité linéaire tout au long du film, car le conflit serait révélé immédiatement et, par conséquent, le spectateur ne serait pas intéressé par le parcelle. À ce stade, concernant les personnages typiquement hitchcockiens, c'est-à-dire les types de personnages présents dans les films de la réalisatrice, elle les classe en trois archétypes principaux, à savoir : la blonde glaciale, le méchant et le héros.
Elle explique qu'Hitchcock consacrait beaucoup d'énergie à la composition esthétique de ses muses, il n'aimait pas que les studios choisissent une actrice qui n'était pas élégante, pâle et blonde. Les blondes d'Hitchcock sont, pour la plupart, des femmes indépendantes, qui travaillent et ne mènent pas une vie limitée aux tâches domestiques, voire, mondains bien habillé et élégant.
En ce qui concerne les méchants, Hitchcock a conçu personnes qui n'avait aucun scrupule. Le génie de l'horreur croyait qu'un personnage devait susciter chez le spectateur des sentiments à la fois de répulsion et d'identification afin de le confondre, créant ainsi des liens. Les méchants d'Hitchcock sont bien construits, principalement parce qu'ils n'ont pas le même profil linéaire tout au long de l'intrigue, et peuvent même devenir la victime à la fin du film, à titre d'exemple, je cite Kim Novak dans Un corps qui tombe (1858), qui finit par tomber à la fin du film du haut d'un clocher d'église.
Et enfin, le héros, comme le méchant, n'a pas d'identité linéaire tout au long du film. Hitchcock a créé ses méchants et ses héros avec le même prétexte, pour que le spectateur puisse voir à la fois les qualités et les défauts des personnages, ainsi, il n'y aurait de certitude sur son personnage qu'à la fin du film, avec le dénouement. Beaucoup de ses héros sont injustement accusés, deviennent faussement coupables, mais, en général, son but est de démasquer le criminel devant la société.
Dans les films, nous pouvons trouver différents types de héros, allant du représentant de la loi, comme le Composez M pour tuer (1954), à ceux qui luttent pour résoudre un crime, comme James Stewart (1908-1997) dans Fenêtre indiscrète (1954) qui, constatant la disparition d'une voisine, la soupçonne d'avoir été assassinée par son mari.
Compte tenu de cela, je répète que le héros et le méchant doivent provoquer des sentiments différents chez les spectateurs, les faisant s'identifier et créer des liens avec le même, l'un et l'autre ont des qualités et des défauts exposés tout au long du film.
Le rôle féminin dans les œuvres d'Hitchcock :
Tiago Svaletti précise que dans les films d'Hitchcock, les femmes peuvent avoir différents degrés de visibilité. Selon lui, les premières seraient les femmes absentes ou omniprésentes, qui dominent le film sans jamais apparaître à l'écran. Un exemple est Rebecca elle-même du film Rebecca' (1940), qui, même morte depuis le début du film, est présente à travers des commentaires la concernant et des objets à ses initiales gravées.
Les femmes opaques, en revanche, sont décrites par Stivaletti comme celles qui ont un grand mystère autour d'elles, qui finissent par renforcer leur figure et qui enchantent les personnages masculins, qui tenteront de toute façon de les démêler. Un exemple est la blonde jouée par Kim Novak dans Un corps qui tombe.
Et, enfin, les femmes transparentes, c'est-à-dire celles que le spectateur, et la plupart des personnages, connaissent et maîtrisent pleinement leurs sentiments et leurs pensées finissent donc par susciter moins de charme. Elles sont le plus souvent victimes de personnages masculins, comme c'est le cas de l'Oscar de la meilleure actrice (1955), Grace Kelly dans Composez M pour tuer (1954), ou encore victimes de femmes omniprésentes, comme l'oscarisée de la meilleure actrice (1942), Joan Fontaine dans Rebecca - Fontaine a remporté un Oscar pour soupçon (1941), un thriller classique réalisé par Hitchcock, d'après un scénario adapté de Samson Raphaelson et Joan Harrison.
Cependant, je maintiens qu'il ne fait aucun doute qu'Hitchcock a été l'un des pionniers du cinéma moderne. A partir de films qui, à l'époque, manipulaient tout un public, il a brisé les barrières entre la terreur et le suspense, dévoilant, encore, des pans obscurs de la psyché humaine. Le cinéaste est "immortel", car il a énormément contribué à l'horreur et à ses sous-genres. Hitchcock n'a pas seulement créé l'horreur moderne, il l'a validée.
*Vanderlei Tenorio Licence en Géographie à l'Université Fédérale d'Alagoas (UFAL).
Références
ALPENDRE, Sergio. Mort et mensonge dans le cinéma du jeune Hitchcock. Dans : PINHEIRO, Mariana (Org.). Hitchcock. São Paulo : CCBB – Centre Culturel Banco do Brasil, 2011. p. 59-66.
GONÇALVES, Ana Patricia da Silva. La musique dans la construction du récit cinématographique (Alfred Hitchcock & Stanley Kubrick). 2014. 90f. Mémoire (Master en Médiation Culturelle et Littéraire) – Université du Minho, Institut des Lettres et Sciences Humaines, Braga, Portugal, 2014.
LOURACO, Jorge. Figures de style de l'indicible dans Conversations avec mon père. Dossier Spectacle – Conversation avec mon père. Chambre noire, São Paulo. v. 14, non. 2, p. 182-186, 2014.
TORRES, Shana Silveira. Les costumes des doubles et des personnages à double personnalité dans les films A Body That Falls et Dial M to Kill d'Alfred Hitchcock. 2012. 94f. Monographie (Diplôme en journalisme) – Université fédérale du Rio Grande do Sul, Porto Alegre-RS, 2012.
STIVALETTI, Thiago. La femme hitchcockienne : absence, opacité, transparence. Dans : PINHEIRO, Mariana (Org.). Hitchcock. São Paulo : CCBB – Centre Culturel Banco do Brasil, 2011.
PRÁ, Eduardo Biscayno de; TRIVISAN, Michèle Kapp. Style hitchcockien : systématiser ses caractéristiques dans le récit audiovisuel. Magazine Disciplinarum Scientia. Série : Arts, Lettres et Communication, Santa Maria, v. 19, non. 1, p. 45-56, 2018.
