Par CELSO FAVARETTO*
Commentaire sur deux livres du théoricien de l'art Nicolas Bourriaud
esthétique relationnelle e Post-production sont des exemples intéressants de la tentative théorico-critique récente d'attribuer à l'art un sens qui aurait le mérite d'absorber tout ce qui apparaît dans une situation, celle de la culture du capitalisme tardif, où la distinction entre production et consommation est abolie. La tentative est passionnante, car, pariant sur la transformation du statut de l'œuvre d'art, l'auteur croit en la viabilité d'un art qui articule la sensibilité collective, fruit de l'interaction, à un monde de services et de recyclage, configurant une culture d'usage ou culture d'activité.
Malgré l'aplatissement critique des enjeux de cette prise de position générique, liés au politique, à la consommation et à la participation, son intérêt ne saurait être sous-estimé, notamment comme symptôme d'un état de fait apparu avec la « désesthétisation », avec la ruine de l'esthétique et affirmation de l'art comme culture. L'une des vertus de ces livres est l'imbrication de l'exercice théorique dans les œuvres d'artistes paradigmatiques, ce qui contribue à supprimer le caractère purement propositionnel de cette esthétique, même si les exemples semblent choisis pour le confirmer.
L'esthétique relationnelle s'attache à recodifier les catégories et la vie historique des œuvres d'art pour rendre compte de l'impossibilité de maintenir dans l'art contemporain les enjeux patents de l'œuvre d'avant-garde. La différence soulignée par l'auteur est l'accent mis par l'esthétique relationnelle sur les notions interactives, conviviales et relationnelles ; c'est-à-dire dans la position centrale de la communication, présente dans une grande partie de la production contemporaine qui utilise les technologies numériques, la vidéo et le cinéma.
Il considère qu'aujourd'hui la pratique artistique apparaît comme un champ fertile d'expérimentation sociale, comme un espace partiellement épargné à la standardisation des comportements. L'apogée de la conception est dans le sous-titre de la traduction brésilienne du livre Post-production. « Comment l'art reprogramme le monde contemporain » – une affirmation, pas une question. L'art n'annonce plus un monde futur, comme il le faisait dans le modernisme ; il présente aujourd'hui des modèles d'univers possibles.
Le glissement proposé concerne, selon cette théorie, le fait que l'art d'aujourd'hui adopte la sphère des interactions humaines et son contexte social comme son horizon théorique plus que l'affirmation d'un espace symbolique autonome et privé, qui se configure en inversion radicale en rupture avec le objectifs esthétiques, culturels et politiques postulés par l'art moderne. Il s'agit sans doute d'un énoncé totalisant, trop générique, et qui devient encore plus étrange lorsqu'il englobe sans médiation les propositions du paradigme esthétique de Guattari, avec son accent sur la production de subjectivités.
Un aspect suggestif de la théorie est la considération que le travail contemporain ne peut plus être compris comme un espace à parcourir, mais comme une durée à vivre, comme une ouverture pour une discussion illimitée, poursuivant le travail moderne consistant à proposer des modèles perceptifs, expérimentaux, critique et participatif. Présentées comme fragmentées et isolées, ces expériences n'ont plus le pouvoir d'articuler une vision globale du monde qui puisse leur donner le poids d'une idéologie ; ils sont condamnés à engendrer une série de petites modifications dans un espace hérité de la modernité et à abandonner une reconstruction globale de l'espace habité par l'humanité.
C'est la proposition d'un réalisme opératoire, que l'on peut définir comme l'oscillation de l'œuvre d'art entre sa fonction traditionnelle d'objet à contempler, et son insertion plus ou moins virtuelle dans le champ socio-économique, qui semble orienter la fonction de représentation de cet art relationnel, réinterprétant ainsi l'attitude de la modernité de Baudelaire pour s'adapter également au mode de production sociale contemporain ; c'est-à-dire le circuit des échanges, en mettant l'accent sur la valeur d'exposition et la valeur d'usage. Car désormais l'œuvre d'art n'est plus présentée comme la trace d'une action passée, mais comme l'annonce d'un événement futur ou la proposition d'une action virtuelle. En tout cas, elle se présente toujours comme une durée matérielle, actualisée à chaque exposition.
Considérant que, par une loi de « dislocation », l'art n'exerce son devoir critique envers la technique que lorsqu'il déplace son contenu, le premier livre prend du recul quant à l'absorption des images numériques dans les œuvres artistiques, car elles ne seraient que de simples représentations d'un aliénation symbolique face à l'environnement informatique et de sa propre aliénation face aux modes de production imposés.
Cependant, il ne dédaigne pas que l'art soit profondément marqué par l'informatique et la caméra vidéo, particulièrement mis en valeur dans sa proposition de post-production. Affectent particulièrement l'exposition, la forme-exposition ; décor, vitrine, scène qui dans cette théorie est devenue l'unité de base de la manière d'être de l'art contemporain, à partir de laquelle il est possible de penser les relations entre l'art et l'idéologie générée par les techniques au détriment de l'œuvre originale.
La proposition d'une culture de l'usage, avec la dissolution des frontières entre consommation et production dans des activités liées au monde des services et du recyclage, a ouvert l'adhésion aux technologies de post-production. En cela, l'intérêt se concentre sur la configuration d'un paysage culturel construit par l'utilisation des images disponibles, enregistrées par les systèmes techniques de l'informatique et par des techniques d'échantillonnage.
Ainsi, le politique vient de la notion de déviation artistique produite par l'utilisation de tout objet, procédé, procédé ou œuvre, tant qu'ils servent à composer des intrigues ou une culture de l'activité, typique du capitalisme tardif. Il s'agit maintenant d'attribuer une valeur positive à remake; articulent les usages, relient les formes au lieu de la recherche héroïque de l'inédit et du sublime qui caractérise le modernisme.
L'esthétique relationnelle entend être, non pas une théorie de l'art, mais une théorie de la forme, dans laquelle la forme est conçue comme une unité, une structure comme un principe d'agglutination dynamique, érigée dans un monde, des possibilités de vie immergées dans la dimension du dialogue. . Cette dimension implique la participation du spectateur, car elle garantit la transitivité de l'objet relationnel, lieu géométrique d'une négociation avec d'innombrables correspondants et destinataires, dispositif relationnel, machine à provoquer et générer des connexions et des rencontres informelles, individuelles et collectives qui établir une communication intempestive, dérangeante. , des réseaux de communication.
En cela serait le politicien de l'art contemporain ; dans les interférences, par lesquelles l'artiste comble les lacunes du lien social et produit de la transparence sociale. Symptomatiquement, l'auteur lui-même avance la critique évidente souvent dirigée contre cet aspect de l'esthétique relationnelle : il s'agirait d'une forme édulcorée de critique sociale.
*Celso Favaretto est critique d'art, professeur à la retraite à la faculté d'éducation de l'USP et auteur, entre autres, de L'invention d'Hélio Oiticica (Edusp).
Références
Nicolas Bourriaud. esthétique relationnelle. Traduction : Denise Bottmann. São Paulo, Martins, 152 pages.
Nicolas Bourriaud. Post-production. Traduction : Denise Bottmann, São Paulo, Martins, 110 pages.
Initialement publié le Journal des critiques, No.6, octobre 2009.
