Par TARCISIO PERES*
L'abus dans l'utilisation de la technologie donne l'impression que la musique devient trop synthétique et déshumanisée.
1.
L’intelligence artificielle et, en particulier, l’apprentissage automatique et son plus récent rejeton, l’intelligence artificielle générative, ont été largement présentés comme une innovation révolutionnaire, capable de transformer plusieurs secteurs, notamment la production de textes, d’art, de musique et d’autres formes de création de contenu. . La similitude entre la diffusion hyperbolique de la pyrotechnie et de l’intelligence artificielle générative et les récits du baron de Münchhausen, popularisés par Rudolf Erich en 1785, est notable.
Un fait concret est que, malgré les passionnés en service, cette technologie est surfaite. Même s’il peut traiter de grandes quantités de données et identifier des modèles complexes, il lui manque une compréhension approfondie du contexte, des émotions et des nuances culturelles qui expriment la création humaine. Par exemple, un texte généré par l’Intelligence Artificielle peut être techniquement correct et informatif, mais il lui manque la structure émotionnelle, l’originalité et la voix unique qui caractérisent l’écriture.
Les productions informatiques se matérialisent dans un contenu superficiel et générique, incapable de capturer la richesse et la complexité des expériences humaines. Il convient de rappeler que la créativité humaine est motivée par les expériences personnelles, les émotions et une compréhension intuitive du monde, éléments intrinsèquement difficiles à coder dans des algorithmes.
Discuter des détails techniques au cœur de ce problème peut être un peu fastidieux. C'est pourquoi nous continuerons, de manière suggestive, à expérimenter une approximation, à la lumière du temps, avec l'esthétique musicale.
2.
Dans l’Antiquité, le chant était un élément essentiel des pratiques religieuses et culturelles. Les Grecs, par exemple, avaient une riche tradition de musique chorale et étudiaient les propriétés mathématiques du son, établissant des intervalles musicaux qui constituaient la base des gammes musicales. Pythagore, philosophe et musicien grec, a identifié la relation entre les fréquences des sons et a développé la théorie des intervalles de consonnes, tels que l'octave, la quinte et la quarte.
Au Moyen Âge, le chant grégorien s’imposait comme la principale forme de musique sacrée en Europe occidentale. Ce style monophonique, caractérisé par des lignes mélodiques simples et sans accompagnement instrumental, mettait l'accent sur la clarté du texte liturgique. Les chanteurs ont développé des techniques de respiration et de projection pour maintenir la pureté et la continuité du son dans les espaces réverbérants comme les cathédrales. Les neumes, symboles utilisés dans les manuscrits de chant grégorien, ne fournissaient qu'une indication approximative de la mélodie.
C’est à la fin du IXe et au début du Xe siècle que la musique occidentale a commencé à utiliser la gamme diatonique, une série de sept notes qui est devenue la base de la théorie musicale occidentale. Guido d'Arezzo, un moine bénédictin du XIe siècle, est souvent crédité d'avoir inventé une forme de notation qui a évolué vers des partitions modernes. Il a introduit le tétragramme, un ensemble de quatre lignes facilitant la lecture des notes de musique, et a créé un système mnémonique pour enseigner les intervalles musicaux (qui ont ensuite évolué en « C, D, E, F, G, A, B »).
À la Renaissance, la polyphonie, avec de multiples lignes mélodiques interconnectées, devient prédominante. Des compositeurs, tels que Palestrina et Josquindes Prez, ont exploré l'harmonie et la contraposition, exigeant des chanteurs un contrôle vocal sophistiqué et la capacité de maintenir des lignes mélodiques indépendantes. La notation musicale a évolué avec le pentagramme à cinq lignes, devenant un standard et permettant une plus grande précision dans la représentation des hauteurs de notes.
À l’époque baroque, l’opéra est apparu comme un nouveau genre musical, avec lequel de nouvelles techniques de chant ont été développées. Les chanteurs avaient besoin d’une grande flexibilité vocale pour interpréter des ornements complexes et exprimer un large éventail d’émotions. Des techniques comme Bel canto, qui mettait l'accent sur la beauté de la ligne mélodique et le contrôle de la respiration, a commencé à se former. Des chanteurs comme Farinelli, l'un des plus célèbres castrer, illustre la virtuosité technique et expressive de cette période. La notation musicale est devenue plus sophistiquée avec l'introduction de la clé de sol, de la clé de fa et d'autres clés pour indiquer différents registres vocaux et instrumentaux.
Le néoclassicisme et le romantisme ont apporté des changements stylistiques supplémentaires. La musique d'opéra et de concert nécessitait des voix capables de se projeter sur de grands orchestres. Le développement de la technique du chant lyrique, qui met l’accent sur la puissance vocale et la clarté du timbre, devient central. Des chanteurs tels que Maria Malibran et Enrico Caruso ont illustré leur capacité à combiner une technique raffinée et une expression dramatique.
Au XXe siècle, la technique vocale continue d'évoluer avec l'introduction de nouveaux genres musicaux, comme jazz, le théâtre musical et, éventuellement, le pop eo rock. Des techniques telles que l'utilisation du microphone permettaient une approche plus intime et naturelle du chant, tandis que la formation classique constituait encore la base pour de nombreux chanteurs de styles différents. La pédagogie vocale a également beaucoup progressé, avec une meilleure compréhension de l’anatomie et de la physiologie de la voix.
Pour conclure notre rétrospective historique, ces dernières années, la technologie réglage automatique a été introduit dans la production musicale, fournissant un outil pour ajuster et corriger la hauteur vocale. Il fonctionne en ajustant automatiquement les notes chantées à celles les plus proches de la hauteur correcte, ce qui permet aux chanteurs de maintenir une hauteur parfaite même si leur performances ne sont pas techniquement impeccables.
3.
Une question intéressante se pose dans notre analyse. Une technologie utilisée pour corriger les petites imperfections dans l'accordage d'un chanteur – la cerise sur le gâteau dans la perspective ancienne de la musique que nous venons de rapporter – commence à être utilisée pour aider un chanteur moyen à être plus juste. Au fil du temps, l'utilisation de réglage automatique il transcende sa fonction originelle de correction discrète et commence à être utilisé de manière plus évidente, créant un effet vocal caractéristique. Cette utilisation stylisée de réglage automatique, popularisé par des artistes comme Cher à la fin des années 1990 et plus tard par T-Pain, a donné naissance à une nouvelle esthétique sonore, marquée par un caractère artificiel et robotique de la voix, qui est devenue un incontournable dans de nombreuses les coups contemporains.
Cette pratique a généré une série de débats et de critiques au sein de l'industrie musicale et parmi les auditeurs : l'abus dans l'utilisation de la technologie conduit à une perception selon laquelle la musique devient excessivement synthétique et déshumanisée. Les auditeurs deviennent moins tolérants envers les imperfections vocales, s'attendant à ce que performances toujours impeccable, tant en enregistrement qu'en live, générant une plus grande pression sur la production musicale, perpétuant le cycle de l'artificialité.
De plus, lorsqu'il est utilisé de manière intensive, le réglage automatique modifie considérablement la qualité originale de la voix, effaçant les nuances essentielles à l'expressivité vocale. Un exemple clair est l'effet sur le vibrato, une technique vocale dans laquelle le chanteur fait légèrement osciller la hauteur d'une note pour ajouter de la chaleur et de l'émotion à la chanson. performant. Le vibrato est une caractéristique particulièrement appréciée chez les chanteurs d'opéra et d'autres styles classiques, comme les ténors, dont la capacité à contrôler et à varier le vibrato est le signe d'une technique vocale avancée.
O réglage automatique, essayer de corriger automatiquement et précisément la hauteur adoucira ou même éliminera par inadvertance le vibrato, ce qui donnera une voix mécaniquement stable et monotone. Cette perte de nuance rend le performant moins naturel et émotionnel, créant un sentiment d'artificialité. Au lieu d'améliorer la performance vocale, le réglage automatique, dans ce contexte, finit par standardiser les caractéristiques uniques de chaque voix, annulant le travail technique et expressif des chanteurs. En d’autres termes, après des siècles de riche évolution, la musique est manifestement pasteurisée par des aspects pratiques informatiques.
En plus du vibrato, l'utilisation de réglage automatique a un impact négatif sur plusieurs aspects de performant le chant et la qualité de la musique. L'expressivité émotionnelle d'un chanteur peut être réduite, car de subtiles variations de hauteur, de dynamique et de timbre sont essentielles pour transmettre des émotions. Le timbre vocal, propre à chaque personne, peut également être standardisé, ce qui rend les différentes voix plus similaires et moins distinctives. La dynamique, c'est-à-dire la variation de l'intensité et du volume de la voix, est cruciale pour créer un performant engageant et riche en émotions. Ô réglage automatique il uniformise ces variations, ce qui entraîne des performances plus plates et moins dynamiques.
La qualité de résonance et les harmoniques produites par la voix peuvent également être altérées par réglage automatique. Les harmoniques, qui sont des fréquences supplémentaires générées avec la note principale, contribuent à la richesse et à la complexité du son vocal. Le traitement numérique peut également modifier ces harmoniques. Techniques de chant avancées telles que les mélismes, glissandos e comportements, perdent leur naturel et leur fluidité lorsqu'ils sont ajustés numériquement.
Ces techniques reposent sur un contrôle vocal précis et peuvent être adoucies ou rendues artificielles par traitement numérique. De plus, la relation entre la voix et les instruments qui l'accompagnent peut être affectée, car le réglage automatique ajuste la hauteur de la voix de manière indépendante, créant une subtile déconnexion entre la voix et les instruments, en particulier dans les genres musicaux qui valorisent l'interaction spontanée entre les musiciens.
La dépendance à réglage automatique cela a également affecté la formation vocale et l'éducation musicale. Un économiste attentif qualifierait cet effet secondaire d’« externalité négative » : fondamentalement, si l’excellence technique peut être atteinte grâce au bricolage numérique, les chanteurs sont moins incités à investir du temps et des efforts dans le développement de leurs capacités vocales naturelles. De plus, le réglage automatique a addictif les auditeurs à un nouveau standard musical et esthétique, poussant les artistes naturels à imiter cet effet pour atteindre le public, ce qui conduit à une homogénéisation de la musique populaire et à une diminution de l'appréciation du véritable talent vocal.
4.
Apparemment, rien de tout cela n’a été mentionné par le baron de Münchhausen dans ses aventures chimériques. De la même manière que réglage automatique en musique, un lecteur expérimenté est tout à fait capable de détecter le manque de profondeur émotionnelle et d'authenticité dans les textes générés par l'Intelligence Artificielle, tandis qu'un lecteur occasionnel peut simplement sentir que quelque chose « manque » ou que le texte semble « trop parfait » et « impersonnel ». ".
Si la pasteurisation de la musique est un événement festif, les pyrotechnies nababesques actuelles autour de l’Intelligence Artificielle sont véritablement justes.
*Tarcísio Peres Il est professeur de sciences aux Écoles Technologiques de l'État de São Paulo. Auteur, entre autres livres, de Profiter des requins : les pièges de la bourse et comment les utiliser à votre avantage.
Références
BURKHOLDER, J. Peter; COULIS, Donald Jay ; PALISCA, Claude V. Anthologie Norton de la musique occidentale. WW Norton & Compagnie, 2019.
COULIS, Donald Jay ; PALISCA, Claude V. Une histoire de la musique occidentale. WW Norton & Compagnie, 2014.
RASPE, Rudolf Erich. Les aventures surprenantes du baron Munchausen. Classiques des pingouins, 1993.
RUSSELL, Stuart J. ; NORVIG, Pierre. Intelligence Artificielle: Une approche moderne. Prentice Hall, 2021.
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