Par AURÉLIA HUBNER PEIXOUTO*
Commentaire sur le film réalisé par João Gonzalez
marchands de glace créé le 16 février 2023 et est le troisième film du réalisateur portugais João Gonzalez. Produit par Bruno Caetano, Animation COLA, Michel Proença, Courant sauvage, John Gonzalez et Royal College of Art, avec le montage, la musique, l'animation de João Gonzalez, ainsi que l'animation d'Ana Nunu et l'orchestration de Nuno Lobo, a remporté le prix Annie dans la catégorie Meilleur court métrage, ayant, depuis sa sortie, récolté des prix dans de nombreux autres festivals (Festival Festival de Cannes, Festival international du film de Melbourne, Festival international du film de Guadalajara, Festival international du film de Chicago, Semaine internationale du film de Valladolid, Festival international de Curtas Vila Do Conde, Festival international du film de Bruxelles, Festival de Monstra, et continue de récolter de nouveaux prix). D'une durée de 15 minutes, le court métrage est le fruit du travail de maître de son créateur.
João Gonzalez, dans ses 27 ans de vie, a déjà construit une trajectoire impressionnante, montrant son talent dans plusieurs domaines artistiques. Avec des compétences exceptionnelles en animation, illustration, réalisation et même musique, il a tracé une solide formation, en commençant par ses études en multimédia à la célèbre Escola Superior de Media, Artes e Design do Politécnico do Porto (ESMAD). À la recherche d'une amélioration continue, João Gonzalez a poursuivi ses études au célèbre Royal College of Art, au Royaume-Uni, où il a obtenu une maîtrise qui a certainement amélioré encore plus ses capacités créatives, ce que nous avons vu comme résultat dans le travail en bref. Originaire de Porto, cet artiste polyvalent a une vraie raison d'être fier, car il porte avec lui l'honneur de représenter son pays et son œuvre cinématographique sur la scène internationale et d'attirer définitivement l'attention sur la scène de l'animation portugaise.
L'ouverture de ce court métrage nous montre un enfant jouant sur une balançoire, suspendu à une « demi-maison » en bois élevée par des cordes et des poulies jusqu'à une montagne escarpée et glacée. Dès les trente premières secondes du film, on est déjà initié à l'extrême fragilité et dangerosité de construire une maison au bout du monde, isolée, où un enfant se balance au-dessus d'un gouffre. Dès le générique d'ouverture sur fond noir, avant même la première image, le sound design nous envoie, en synesthésie, vers les vents froids, vers les grincements angoissants des cordes, qu'elles soient de la balançoire ou de celles qui supportent le poids de la maison sur le mur de montagne glacé.
En résumé, l'intrigue, présentée sans aucune incursion de langage verbal, traite de l'histoire d'un père et de son fils (ou de sa fille, il n'y a aucune allusion au sexe de l'enfant) qui vivent dans cette maison froide au-dessus de la ville où ils vendent de la glace . Leurs visages et leurs traits sont extrêmement économiques et simples, et les cols de leurs manteaux cachent toujours leur bouche. Chaque jour, ils sautent en parachute pour faire leurs ventes et montent haut sur une moto, apportant leur gagne-pain, leur argent et un nouveau chapeau. La nuit, ils mettent de l'eau dans une boîte pour qu'elle se transforme en glace pendant la nuit afin que les ventes puissent se répéter jour après jour. L'enfant, pendant les pauses, joue à se balancer au-dessus du précipice, jusqu'à ce que le père sonne la cloche et le rappelle à la maison, aux repas, à ses tâches routinières.
Les scènes des sauts en parachute, réalisés par le père avec l'enfant devant et blotti devant lui et la glacière au fond, sont particulièrement lyriques, et montrent le père dans des déformations physiques qui le rendent gigantesque, gros démesuré et magnifique bras et jambes. Il est à noter que le père et le fils perdent leur chapeau à chaque chute, se rachetant et se perdant à nouveau dans les descentes... L'absence de la mère est soulignée par son espace vide au niveau du lit paternel, et par les gros plans sur sa tasse jaune inutilisée, qu'ils observent avec nostalgie.
Outre le deuil, qui implique père et fils dans un climat triste et froid, un autre thème narré est l'échauffement. Dès les premières scènes, on suit la jauge de température du thermomètre de la maison qui, en montant, préfigure la catastrophe qui s'abattra sur les personnages. Avec la température élevée, la glace de la vente n'est pas faite dans la boîte, la montagne commence à fondre et la maison est frappée par une avalanche de glace de la montagne qui fond. La maison commence à s'effondrer, basculant et tenant à peine, et voici un incroyable gros plan de l'une des cordes qui claquent brin par brin.
Avec la pente, le parachute glisse et se perd. La moitié de la maison suspendue cède et est sur le point de tomber... Il n'y a pas d'issue pour l'homme et l'enfant, alors l'homme prépare l'enfant devant lui pour un dernier saut, sans parachute. Mais, affligé, l'enfant se retourne corps à corps avec le père, tremblant de peur. Le père embrasse alors son fils, tourne le dos à l'abîme et, embrassant son fils, tombe.
A l'automne, le réalisme magique qui s'annonçait déjà depuis le début, présente son Dieu ex machina profusément lyrique avec l'apparition de la mère, qui s'élève dans les airs vers les deux, les embrasse et les protège.
La couleur du manteau et du chapeau de la mère, jaune comme sa chope, et celui du père, rouge, donnent plus de sens aux bonnets et aux tons orangés du film, montrant comment dans le court métrage, qui se passe de tout langage verbal, les couleurs sont intensément chargé de significations narratives. Père et fils sont alors soutenus dans leur descente par une montagne duveteuse faite des chapeaux qu'ils ont perdus à chaque fois qu'ils ont sauté pour vendre de la glace.
Alors, ils se lèvent et suivent, le père met son fils sur ses épaules, ramasse un des bonnets par terre et le donne à son fils, et ils quittent l'écran, laissant le focus à la chute subtile de deux autres chapeaux qui descendent doucement sur la montagne. La montagne de chapeaux est aussi un instrument pour montrer les efforts passés de la mère dans la lutte quotidienne. Au pied de la montagne, il y a des chapeaux jaunes, la couleur de la mère, et, lorsque vous atteignez le sommet, ils disparaissent pour laisser place aux chapeaux rouges et oranges du père et du fils.
L'animation mélange le design très simple et solide avec la technique appelée "hachurage" ou "hachures“, une méthode d'ombrage dans laquelle des lignes parallèles ou entrecroisées sont utilisées pour créer des tons et des textures dans un dessin. Les lignes apparaissent parfois plus espacées ou denses, ajoutant des ombres et du volume avec des nuances de bleu et d'orange, penchant vers le rouge et le jaune dans diverses situations, donnant une apparence de profondeur et de détail à la montagne, à la maison, aux objets et aux personnages. Tant pour l'utilisation technique que pour l'utilisation des couleurs, on ne peut manquer de rappeler La grande vague au large de Kanagawa, de Katsushika Hokusai, d'autant plus qu'ici l'eau sera aussi, qu'elle soit solide comme de la glace ou dans l'avalanche fondante qui engloutira la maison à la fin du court-métrage, également un personnage central. Comme chez Hokusai, l'eau, force désordonnée de la nature, soumet une construction humaine fragile.
La musique et le sound design rigoureux remplissent chaque scène, se complètent et s'entremêlent, construisant l'atmosphère tantôt agitée tantôt sinistre, et le rythme tantôt subtil tantôt frénétique de l'animation. Il convient de noter que João Gonzalez a été impliqué dans plusieurs fonctions de production, y compris la composition sonore, ainsi que la performance au piano et la conception sonore orchestrée par Nuno Lobo. Le mouvement dans l'animation est souvent économique, et le contraste entre l'arrière-plan statique et les foyers animés, ainsi que la puissante conception sonore dont nous parlons, entraînent une grande implication dans les représentations scéniques.
En traitant des thèmes, deuil, pauvreté et réchauffement climatique, João Gonzalez réserve une grande charge dramatique au premier, insérant le deuxième et le troisième dans la condition de fond socio-environnemental incontournable et catastrophique, qui entraîne les plus fragiles en premier.
La "demi-maison", loin de la ville, fragilement entassée dans une montagne, abritant une famille qui vit en "vendant de la glace", peut sembler radicalement fictive, fruit d'un imaginaire puissant, et quelque peu "impossible", mais elle renvoie à la condition réelle de milliers de personnes qui vivent sur des collines et dans des bâtiments précaires, sujets à l'effondrement et à l'ensevelissement à chaque fois que de fortes pluies, de plus en plus violentes et désordonnées en raison du réchauffement climatique, se produisent.
Aussi bien que marchands de glace, des personnes démunies descendent chaque jour de leurs maisons très précaires vers les villes pour chercher leur gagne-pain, vendant « presque rien », comme de la glace, sur les panneaux et aux portes des écoles et des entreprises. Ils vendent des bonbons, du pop-corn, des sucreries, des fruits, ou tout ce qu'ils peuvent remplacer et recommencent à revendre jour après jour, faisant souvent face, en plus de la misère, au deuil, depuis les violences policières et celle des groupes criminels, aux dures conditions de vie, en plus de faible accès à la santé, coupe des vies plus tôt dans la périphérie.
L'œuvre n'a pas été si acclamée et récompensée sans raison, elle allie rigueur technique et excellente exécution de la fonction poétique, liée par la présence massive du créateur João Gonzalez dans tous les aspects du film, avec une fonction sociale émouvante et engagée, apportant à réflexions légères critiques sur les thèmes de la lutte pour la survie dans le deuil lié à l'implacable mal destructeur qu'est le dérèglement climatique, rappelant un autre ouvrage récent qui aborde également le drame familial et la pauvreté dans le contexte du réchauffement climatique, le long métrage sud-coréen Parasites, de Bong Joon-ho, 2019.
Il est compréhensible d'avoir perdu l'Oscar, à Los Angeles, si l'on considère le fait que le projet gagnant, Le garçon, la taupe, le renard et le cheval, de Charlie Mackesy et Peter Baynton, ont une campagne d'implication et de diffusion précoce, qui a commencé avec le lancement du livre qui a donné naissance au court métrage, en 2019, avec plus de 500 XNUMX exemplaires vendus la première année, traduits et publiés autour le monde, avec un succès retentissant. La longue et fructueuse carrière du vétéran Charlie Mackesky et l'attrait lyrique et affectif du film, mettant pratiquement fin à une fable d'entraide moderne sur l'art de se faire des amis, appuient certainement la décision ici, puisque des points tels que l'animation, la musique et le scénario, bien que touchants dans le projet du dessinateur et auteur britannique, sont, de notre point de vue, bien supérieurs dans le projet du créateur portugais João Gonzalez, encore au début de sa carrière prometteuse.
Un autre aspect que nous ne pouvons manquer de mentionner et qui exerce une influence notable sur un jury comme celui des Oscars est le contraste entre le message toujours positif et élégant de Le garçon, le renard, la taupe et le cheval avec la réalité crue et froide du deuil, de l'impuissance, de la précarité de la protection et du tragique de la catastrophe « naturelle » dépeinte dans l'œuvre de João Gonzalez.
Le court-métrage portugais est magistral et mérite plus d'un visionnage, tant la richesse des significations utilisées dans chaque scène est d'une telle profusion qu'une seule appréciation est, même percutante, insuffisante pour nous permettre de décider du sens de chaque détail. En l'examinant pour écrire ce texte, nous nous sommes pris dans une réflexion, que nous partageons enfin. malgré le dieu ex machina dont nous parlons, la rédemption à laquelle nous sommes élevés est provisoire, puisque les deux chapeaux descendent subtilement dans la scène finale, annonçant la mort matérielle des simples vendeurs de glace.
Les attentes sont grandes pour voir ce que l'avenir réserve à ce cinéaste talentueux et les œuvres à venir qui continueront sans aucun doute de ravir et de ravir le public mondial. Avec sa créativité, son dévouement et son talent incontestés, João Gonzalez est une promesse passionnante pour le cinéma, promettant de laisser un héritage durable dans l'industrie cinématographique et d'offrir aux téléspectateurs des moments plus mémorables et émouvants sur grand écran.
*Aurélia Hubner Peixouto est professeur de langue portugaise et de littérature brésilienne à l'IFES-Campus Vitória et doctorant en design à la Faculté de design, technologie et communication de l'Université européenne.
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