Par WALNICE NOGUEIRA GALVÃO*
Bilan historique de la présence des Noirs dans le cinéma hollywoodien et annexe indiquant la bibliographie et les films brésiliens.
Il a fallu cent ans, soit le même âge que le cinéma, mais finalement une femme noire – Halle Berry, en 2002 – a remporté l'Oscar de l'actrice principale. Ces dernières années, cette récompense pour les acteurs noirs s'est multipliée : Jamie Foxx et Morgan Freeman en 2005 ; à part Halle Berry, à Denzel Washington (tous deux aux traits impeccablement caucasiens) en 2002 ; un autre honoraire à Sidney Poitier la même année.
Et on oublie déjà que l'homme noir a débuté comme violeur de femmes blanches dans un film d'art fondateur, l'épopée patriotique du cinéma muet. naissance d'une nation (David W. Griffith, 1915,). Pour répondre aux accusations de racisme, Griffith allait plus tard Intolérance (1916). Se considérant victime du vilain sentiment exprimé dans ce titre, Griffith a anticipé les épopées kitsch par Cecil B. de Mille, abordant le thème de ce qu'il considérait comme l'intolérance dans diverses sociétés, tant dans l'Antiquité que dans les temps modernes. Tout ça pour se justifier.
Entre cela et ce qui se passe aujourd'hui – quand n'importe quel film ou série télé montre des juges noirs dans des scènes d'audience, situation si banale qu'on ne prête même pas attention au phénomène extraordinaire – il y a tout un parcours, dont les étapes sont dignes de mention.
films de copains Les relations interethniques se sont également banalisées, même si beaucoup d'entre elles tiraient leur plaisir des frictions raciales entre partenaires, source apparemment inépuisable d'humour intelligent, comme on le voit dans les quatre Machine mortelle, qui, soit dit en passant, prennent une position déclarée contre le racisme – autre phénomène à garder à l'esprit. Et les scènes d'amour café au lait sont devenues fréquentes, bien qu'ici aussi avec des nuances : le blanc avec le noir était devenu courant auparavant, prenant plus de temps pour inverser l'équation et montrer le noir avec le blanc (défiant les fantasmes traditionnels du viol). Des séries télévisées montrant des problèmes familiaux courants, une formule ancienne et solidement réussie pour les Blancs, sont désormais mises en scène avec des Noirs. Mais, selon Spike Lee dans Fille 6 (1996), avec des danses exotiques, des cris et des scandales.
L'incorporation de la perspective féminine ne doit pas être sous-estimée : Toni Morrison et Alice Walker ont fait adapter des livres ; Halle Berry a joué et produit, sous la direction de Martha Coolidge, le biopic de Dorothy Dandridge. L'Oscar de soutien sans précédent pour Hattie McDonald dans Emporté par le vent (1939) sacralisent encore le stéréotype, avec des atouts, des slushies et des roulements d'yeux exorbitants.
Entre ces extrêmes, il y a eu des moments mémorables, dessinant une escalade de conquêtes, parallèle au mouvement des droits civiques, rendant impensable un film raciste.
Et, enfin, des réalisateurs noirs ont émergé, garantissant la taille de l'investissement et le contrôle du résultat. Dès le premier d'entre eux, le légendaire Melvin Van Peebles, avec L'histoire d'un pass trois jours (1968), il y en a déjà une poignée illustre : Robert Townsend, le talentueux clan des Wayans et Hughes, Mario Van Peebles, John Singleton, F. Gary Gray, Forest Whitaker, et les débuts récents de Morgan Freeman et Denzel Washington. Sans oublier celui qui a transformé le film en arme de combat, Spike Lee.
Une expérience avancée a été Carmen Jones (Otto Preminger, 1954), adaptation de l'opéra de Bizet avec tous les noirs, dans laquelle Dorothy Dandridge affronte le beau Harry Belafonte. L'actrice serait à la hauteur de la première nomination aux Oscars pour un protagoniste noir, mais qui l'a emporté, c'est la blonde aux yeux bleus Grace Kelly. Parmi les premiers antiracistes sont Ombres (1957), de John Cassavetes, pionnier en bien des choses, qui place le conflit ethnique au cœur de l'intrigue ; C'est Le soleil est pour tout le monde (Robert Mulligan, 1962), avec Gregory Peck jouant l'avocat qui défend un homme noir accusé de viol dans un village du sud.
La force de la personnalité de Sidney Poitier serait associée à plusieurs jalons de ce parcours : il serait le premier homme noir à remporter un Oscar en tant qu'homme de tête, pour Une voix dans l'ombre (1964), de Ralph Nelson, jouant un rôle romantique et embrassant une femme blanche à l'écran ; sa distinction naturelle donnerait du crédit à plus d'un film.
Em dans la chaleur de la nuit (1967), Norman Jewison a dépeint le premier policier noir du FBI en action dans les bois du sud. Un copain blanc se moque du nom fantaisiste, Virgil, qui n'est pas un nom "noir", contrairement à Rastus, Rufus, Remus, Cletus, Cassius, communément donné aux esclaves dans les plantations (c'est pourquoi le champion de boxe Muhammad Ali a répudié son nom de baptême, Cassius Clay). Insinuant que dans le Sud, d'où les Noirs ont émigré en masse vers le Nord, fuyant la culture du coton et les préjugés, les choses étaient différentes, il lui demande sarcastiquement : « C'est comme ça qu'on t'appelle à Chicago, Virgil ? et ce dernier répond, sévèrement, « A Chicago on m'appelle Mystère Tibbs », dans une réponse qui entrerait dans l'histoire. Lorsqu'il est giflé par un homme blanc, Tibbs le gifle en retour - et c'était la première fois qu'un homme noir faisait cela à un homme blanc dans un film.
Dans la même année, Devine de qui vient dîner Stanley Kramer, montre la situation difficile du couple libéral et progressiste, lorsqu'ils ont été pillés par leur propre fille – qui ne l'a même pas prévenue que le marié était noir. Il est vrai qu'il est beau, beau, bien éduqué, élégant, portant des costumes impeccables, avec la crédibilité d'avoir un diplôme universitaire ; et n'embarrasse personne.
C'est de 1969 un extraordinaire film d'avant-garde – une audace que son réalisateur, Brian de Palma, ne répétera jamais –, Salut maman!, sur la mise en scène d'une pièce inspirée de Les noirs, de Jean Genet, dans lequel les acteurs engagent des spectateurs blancs bien pensants en utilisant une stratégie fasciste d'intimidation, les peignant en noir et eux-mêmes en blanc. Le groupe d'acteurs utilise également des tactiques de guérilla urbaine, occupant et faisant exploser des bâtiments.
Parmi les tentatives de faire revivre les sagas militantes de cette époque figure panthères noires (1995), réalisé par Mario Van Peebles (n'oublions pas qu'en 1968, c'est-à-dire l'année où le phénomène est à son apogée, Jules Dassin tourne Black Power). Le film de Peebles relate la formation, le développement et la liquidation du pouvoir noir aux États-Unis. Des personnages représentant les principales figures du mouvement peuvent être vus, tels que Huey Newton, Bobby Seale et Eldridge Cleaver, brillant auteur du livre sur la négritude. âme sur glace, éditeur du prestigieux magazine Remparts et ministre de l'Information du Black Panther Party. Il se situe entre Oakland, son quartier général, et San Francisco, en 1967. C'est cette année-là que le parti rejoint le mouvement étudiant blanc contre la guerre du Vietnam, sous le slogan commun du « Pouvoir au peuple », élargissant sa menace et signant sa destruction.
Avec un complot encore maigre – la police recrute, par chantage, un lanceur d'alerte interne au parti –, il donne un bon exemple des « méthodes » de la répression qui l'ont liquidé. Le FBI, avec Edgar J. Hoover à sa tête, a pris le contrôle de la répression, et l'appareil d'État a commencé à mobiliser les filières illégales : assassinats de dirigeants, fausses accusations avec preuves dissimulées, attentats et bombes placées dans les bureaux du parti à travers le pays. Parmi ceux qui ont échappé à l'exécution figure Eldridge Cleaver, qui s'est enfui en Algérie et y a vécu pendant de nombreuses années.
C'est ainsi que le mouvement s'est éteint. A cette époque, Martin Luther King, créateur du mouvement pour la non-violence et lauréat du prix Nobel de la paix, serait assassiné par un homme blanc, en 1968, après avoir mené la Marche sur Washington pour réclamer le vote du Congrès, qui fut finalement atteint, pour la loi sur les droits civils et les droits de vote.
De toute façon, Arbre (1971), de Gordon Parks, a déclenché la vague de blaxplotation des années 1970, portant à deux cents le nombre total de films de bas niveau réalisés au cours de la décennie, mettant en vedette de la musique noire, de la violence et du jargon du ghetto. Le détective privé John Shaft obtient un bureau avec son nom sur la porte, il est le premier de sa couleur à recevoir l'honneur d'un tel métier de héros. Il aurait de nombreuses suites et deviendrait une série télévisée. Avec une certaine mauvaise volonté et compte tenu de la coïncidence dans le temps, on peut considérer la création de Shaft comme compensant la liquidation du black power : un héros dépolitisé accepté par les blancs, dans des tâches qui ne sont plus sociales, mais strictement de nature privée.
La vision originale et engagée de Martin Ritt serait présente dans s'en foutre (1974), dans lequel, en marge de missions dans les années 1960, un instituteur va apprendre à lire à des enfants noirs sur une île de Caroline du Sud – jusqu'à ce qu'il soit renvoyé par les autorités. Mais il y en avait d'autres comme Mississippi en feu (1988), d'Alan Parker, dans lequel deux agents du FBI, une organisation qui a combattu le mouvement avec férocité, finissent par être les héros justiciers qui vengent la mort de trois militants, deux noirs et un juif, travaillant à l'enrôlement électoral des population de couleur sud; pour cela, Pauline Kael a qualifié le film de "pervers".
La touche serait enfoncée Meurtre au Mississippi (1990), de Roger Young. Mais Hollywood se rachèterait en produisant Fantômes du passé (1996), de Rob Reiner, à propos de l'enquête, des poursuites et de la condamnation, trente ans plus tard, du meurtrier du militant des droits civiques Medgar Evers à Memphis, à la fin des années 1960. Whoopi Goldberg contredit son expertise dans les rôles de dessin animé en incarnant une veuve Evers remarquable de retenue et d'arrogance; recevrait un Oscar pour son soutien Ghost, en 1990.
Annoncé par le succès de la couleur violette (1985), de Spielberg, d'après le livre d'Alice Walker, les années 1990 apporteront une vague de films atypiques par leur qualité, allant des faits des luttes pour l'émancipation et de leurs icônes – Malcolm X, Martin Luther King, les Noirs Panthers , Muhammad Ali – voire de la science-fiction sur la suprématie noire et la sujétion blanche.
À cette époque, Denzel Washington était capable de jouer le noble blanc de Tant de bruit pour rien (1993), réalisé par Kenneth Branagh de Shakespeare, ainsi que Peter Brook qui interprète un homme noir dans le rôle d'Hamlet sur scène, comme on l'a vu au Brésil il y a quelques années. Il était habituel pour un homme blanc au visage bronzé de jouer Othello, auquel même Orson Welles n'a pas échappé. Après avoir habillé l'archivillain Dark Vador en noir dans Guerres des étoiles (1977), George Lucas inclurait des héros d'origine africaine dans les suites. Contribuer, le lésé Politiquement incorrect (1998), de Warren Beatty, donnerait un cours de chicanerie électorale, dans lequel un sénateur démocrate en campagne électorale explique comment tromper les Noirs.
Le point culminant serait atteint lorsque Morgan Freeman prêterait son autorité et sa gravité intrinsèques aux rôles de président des États-Unis (en Impact profond, 1998, réalisé par Mimi Leder) et, bien sûr, Dieu (Le Tout-Puissant, 2002, réalisé par Tom Shadyac) – tous deux indiscutablement blancs. Et on annonce qu'il incarnera Nelson Mandela. Mais peu se souviendraient qu'un visionnaire Monteiro Lobato, déjà en 1928, avait écrit un roman intitulé Le président noir dans lequel il a prédit des résultats comme celui-ci pour les élections aux États-Unis.
Le cinéma de guérilla de Spike Lee aborde des questions ethniques de fond. Parmi tant d'autres, c'était donc Malcolm X, basé sur une autobiographie inégalée, relatant la conversion d'un gangster en chef spirituel. quatre petites filles (1997) est un documentaire sur le bombardement d'une église à Birmingham en 1963, en plein culte dominical, lorsque les quatre filles du titre sont tuées. Deux des quatre mis en cause, toujours en vie, ont également été incriminés trente ans plus tard. Les deux films sont basés sur des faits historiques.
Comme Hitchcock, Spike Lee apparaît souvent dans ses films ; mais, contrairement à celui-là, pas dans des apparitions flash qui donnent au spectateur l'impression d'un jeu de cache-cache. Comme si cela ne suffisait pas, il torture symboliquement le spectateur et se bat avec lui, essayant de le réveiller. Elle amène le spectateur à se demander quelles seraient les conditions de maturation du contexte qui permettraient l'émergence d'un réalisateur noir avec sa propre vision, si radicale et donc sans concessions. Et il n'a que des problèmes noirs comme sujet. Dans sa collection il y a déjà plusieurs films, dont celui qui a signifié sa découverte, Faire la bonne chose (1989). Là, sous les airs sournois de quelqu'un qui ne veut rien, Spike Lee lui-même, maigre et marchant les pieds dedans, jouait le rôle d'un livreur de pizza, pacifique, qui presque sans le vouloir, mais par indignation de voir son ami accidentellement tué par la police, déclenche l'une des pires émeutes du ghetto.
exemplaire est l'heure du spectacle (2000), qui fait la satire d'une émission de télévision dont le scénariste s'inspire de spectacles de ménestrel d'antan, se moquant systématiquement des noirs, qui sont stupides, volent des poulets et aiment la pastèque. Malgré cela, le programme devient culte et déclenche une tendance aux adhésions erronées à la noirceur. Le film se termine par une anthologie historique du cinéma, avec les interprètes les plus aimés camouflés avec les signes du bouchon brûlé sur leur teint, une énorme bouche écarlate et des gants blancs - fréquents à l'apogée de la comédie musicale.
Les dessins animés incluent un cannibale africain cuisinant un missionnaire dans un chaudron, des petits calunguinhas avec un os sur le dessus des cheveux et, pour couronner le tout, une parodie de La Case de l'oncle Tom dans lequel Eliza s'enfuit avec le bébé dans ses bras alors qu'elle traverse la rivière, sautant d'un glaçon à l'autre. Ils laissent le spectateur le visage en feu pour les avoir regardés sans s'indigner. Spike Lee est crédité de cette encyclopédie de la mauvaise foi raciste dans les arts de la scène et de son potentiel de manipulation de la conscience. C'est ainsi que ce réalisateur plante des jalons dans la saga des parcours politiques du mouvement noir et ses moments cruciaux vers l'émancipation et la citoyenneté.
Le documentaire trouve en William Greaves, qui les produit et les réalise depuis plus de trente ans, un apôtre. Il se consacre à la réalisation de films qui sauvent la mémoire des Noirs aux États-Unis. Il a découvert des personnages oubliés et trouvé des images d'événements dont personne ne se souvenait. Il produit principalement du matériel pédagogique et remporte un prix après l'autre. Ses films sont narrés, selon les cas, par Sidney Poitier, Harry Belafonte ou Toni Morrison.
Et ce panorama ne pouvait pas manquer les nombreux bons films qui ont été réalisés sur l'apartheid, en collaboration avec la campagne visant à sa fermeture, clarifiant le spectateur sur ses implications. Ils ont joué un rôle de premier plan, ainsi que le boycott généralisé qui, dans le but de gagner l'électorat noir aux États-Unis, a contribué à la victoire. Parmi eux, le premier film de Morgan Freeman dans Bopha ! - Sous la peau (1993), avec Danny Glover et Malcolm McDowell, exposant le conflit entre un chef de police sud-africain noir et son fils militant anti-apartheid. Ici, soit dit en passant, vient le souvenir du concert du plus militant des musiciens de rock, organisé pour réclamer la libération de Nelson Mandela, avec la chanson thème de Jerry Dammers, avec un refrain inoubliable, chanté à l'unisson par la foule : « Gratuit! Gratuit! Gratuit! Nelson Mandela!". Diffusé en direct, il a atteint 67 pays et 600 millions de téléspectateurs ; et, bien qu'interdit en Afrique du Sud, il a créé un scandale public, d'une ampleur et d'un retentissement sans précédent, auquel la sortie de prison du futur président, deux ans plus tard, ne sera pas sans rapport.
Bibliographie indiquée
Quant aux études sur la noirceur au cinéma, chez les Nord-Américains, les livres toujours réédités de Gary Null se démarquent. La première, qui va de la création du Septième Art à la date de sa publication, sera complétée plus tard par une autre qui ira au-delà de 1970. De plus, elles sont abondamment illustrées de photos de films et d'acteurs, ce qui en fait une référence précieuse, d'une utilité inestimable.
Et entre nous, comment ça s'est passé ? Les ouvrages consacrés au thème sont très récents. C'est le domaine choisi par João Carlos Rodrigues, qui a écrit Le noir brésilien et le cinéma (Editora Globo), publié pour la première fois en 1988. Assez raffiné, il offre une perspective panoramique, mais cherche en même temps à définir les contours des principaux stéréotypes actuels sur les écrans, tels que Mulata Boazuda, Mãe Preta, Preto Velho , Malandro , le Favelado, la Pucelle Spirituelle. Et cela montre comment une perspective militante peut affiner l'analyse.
Nous rappelons ici les différents travaux de Joel Zito Araújo, qui, en plus de soutenir sa thèse et de publier le livre La négation du Brésil : Le noir dans la telenovela brésilienne (Editora Senac), il a également réalisé un documentaire pour la télévision à partir de ce matériau. Ses recherches sont irremplaçables et si, pour l'instant, entre thèse, livre et film, il ne s'est concentré que sur les telenovelas – d'une importance fondamentale en tant que créateurs d'images en Amérique latine, en raison de leur portée en termes de nombre de spectateurs –, il annoncé notre cinéma comme objectif de la tâche suivante.
L'émission de l'acteur Lázaro Ramos sur Canal Brasil, Miroir, a apporté beaucoup de matériel sur le sujet, y compris des entretiens avec des acteurs noirs (qui sont la mémoire vivante de ce processus, comme Ruth de Souza, Milton Gonçalves, Antonio Pitanga, Zózimo Bulbul, Toni Tornado, Zezé Motta), des recherches et des extraits de films ou de telenovelas. De ce point de vue, il ne faut pas oublier l'importance de Grande Otelo, qui pendant un demi-siècle a réchauffé petits et grands écrans de son génie. Il incarnait parfaitement le stéréotype de l'homme noir boçal – roulant des yeux écarquillés et faisant des lèvres boudeuses qui rehaussaient le volume de ses lèvres – mais, en même temps, l'acteur extraordinaire qu'il était, il s'est montré capable de dérouler bien d'autres tours. , allant même jusqu'à critiquer ce même stéréotype.
Entre nous, dans le but de sélectionner un échantillon représentatif des différentes phases et perspectives dans le traitement de la noirceur, les films suivants méritent considération :
Mlle fille, 1953, réalisé par Tom Payne - Dans une intrigue romantique, l'héroïne, jouée par Eliane Lage et face à Anselmo Duarte, est une abolitionniste, bien que fille d'un riche propriétaire terrien et se bat pour la fin de la captivité. Dans ce film, le noir est toujours un esclave, apparaissant enchaîné et flagellé. Il était rare que des rôles soient créés pour des Noirs, même en position de soutien, comme ici. Ruth de Souza, qui allait avoir une longue et brillante carrière d'actrice, a attiré l'attention de Ruth. Le film est un exemple de la grande phase du cinéma industriel à São Paulo et de la société Vera Cruz, qui en quelques années d'existence a produit des films de haut niveau technique.
orphée noir, 1959 – Adaptation du mythe grec d'Orphée aux bidonvilles de Rio de Janeiro, avec une fonte noire et une belle utilisation du Carnaval. Film français réalisé par Marcel Camus, avec une production locale et des acteurs brésiliens (sauf la nord-américaine Marpessa Dawn dans le rôle d'Eurídice) appartenant au Teatro Experimental do Negro, d'Abdias do Nascimento. Basé sur la pièce originale de Vinicius de Moraes, avec une musique de Tom Jobim, précédemment mise en scène au Teatro Municipal do Rio avec des décors de Niemeyer. Palme d'Or au Festival de Cannes et Oscar du meilleur film étranger. Refait en 1999.
Abolition, 1988 – Formé au Centro Popular de Cultura (CPC) de l'UNE dans les années 1960, Zózimo Bulbul, qui deviendra l'un des acteurs les plus identifiés au Cinéma Novo, réalise ce documentaire centré sur les cent ans depuis la signature du Lei Áurea. De précieux entretiens avec des personnalités stratégiques pour l'appréciation de la culture noire, comme Abdias do Nascimento, Grande Otelo, Joel Rufino et Gilberto Freyre. Il parcourt les rues et les prisons, cherchant ce que les marginaux pensent de la situation des Noirs après leur émancipation de la captivité. Il accumule les récompenses dans les festivals dans lesquels il se produit.
Ôrí – Tête, conscience noire, 1989 – Documentaire de Raquel Gerber, tourné au Brésil et en Afrique. Il élargit le concept de quilombo, désormais considéré comme tout noyau de résistance noire, détecté dans le candomblé, la capoeira, la musique, la danse, le geste, le rituel, la cuisine, etc. Il examine plusieurs exemples, au Brésil et dans les pays d'Afrique de l'Ouest, d'où sont originaires les peuples de langue bantoue yoruba. Musique de Naná Vasconcelos. Pendant les onze années de production, il a accompagné la formation et la croissance des mouvements noirs dans notre pays, à l'écoute de leurs représentants. A remporté la 1ère place au Festival Panafricain du Burkina Faso.
Le déni du Brésil, 2000, réalisé par Joel Zito Araújo – Trajectoire plus que complète à travers l'histoire de la telenovela au Brésil, centrée sur les personnages noirs. Il analyse les feuilletons télévisés en mettant l'accent sur les acteurs et les rôles qu'on leur donne, toujours stéréotypés, toujours négatifs. Le réalisateur soutient que la constitution de l'image est fondamentale pour soutenir une identité ethnique positive.
La Cité de Dieu, 2002, réalisé par Fernando Meirelles – Le quotidien des trafiquants de drogue (les « propriétaires de la colline ») qui contrôlent la vie des habitants des favelas. Guerres internes entre gangs rivaux, guerres avec la police, guerres avec les travailleurs qui vivent dans les favelas et en sont les victimes. D'une violence rarement vue. Très compétent comme film d'action, dans lequel le suspense, les galipettes et les tournages prennent le dessus sur la réflexion. En raison de l'accent narratif identifié avec les favelados, il est situé de l'autre côté de Troupe d'élite avec son orientation narrative identifiée à la police : mais les deux sont similaires dans la criminalisation des gens de la favela.
les filles du vent, 2003 - Par Joel Zito Araújo, un militant responsable d'autres réalisations notables, telles que le susmentionné Le déni du Brésil. À contre-courant de toujours dépeindre les Noirs comme des marginaux et des criminels, il met en jeu une famille bien intégrée, tout au long de son parcours et de sa propre chronique interne. Il a remporté huit prix au Festival de Gramado : un pour le réalisateur et sept pour les acteurs, parmi les plus importants du cinéma noir, au parcours illustre, comme Milton Gonçalves, Ruth de Souza et Léa Garcia, qui avaient travaillé sur la première Orphée noir.
Antonia, 2006 – La réalisatrice Tata Amaral privilégie quatre chanteurs et compositeurs de danse trouille, leurs problèmes et leurs revendications spécifiquement féminines. Le protagoniste Antonia est joué par Negra Li. Intéressant pour montrer l'originalité féminine au milieu des timbres machistes du bal trouille, avec ses chansons désobligeantes envers les femmes. La vie ardue qu'elles mènent dans les favelas, où les femmes sont discriminées, leur combat pour une place au soleil et pour dépasser leur position subalterne.
*Walnice Nogueira Galvao est professeur émérite à la FFLCH à l'USP. Auteur, entre autres livres, de Au son de la samba – Une lecture du carnaval carioca (Fondation Perseu Abramo).
