Par LAYMERT GARCIA DOS SANTOS*

Considérations sur l'artiste plasticienne Rosilene Luduvico

Rosilene Luduvico est une artiste brésilienne d'Espírito Santo, basée à Düsseldorf, en Allemagne, depuis l'époque où elle a fréquenté l'Académie des Beaux-Arts de cette ville, au début des années 2000. Sa peinture est peu connue au Brésil, même si elle a fait une importante exposition individuelle au Palácio Anchieta, à Vitória, au second semestre 2018, en plus de faire partie du groupe d'artistes de l'exposition Brésilien Post-modernisme 1922-2022, au Centre Culturel Banco do Brasil à Rio de Janeiro, São Paulo, Brasilia et Belo Horizonte.

Après plusieurs expositions individuelles et collectives en Europe et au Japon, l'artiste présente aujourd'hui Primavera, organisée par León Kremple, à Kunsthalle Darmstadt, de mars à novembre 2022. Le texte ci-dessous est la version portugaise de l'essai publié dans le catalogue de l'exposition, en allemand et en anglais.

Rosilene Luduvico – l'haeccéité de la peinture

La peinture de Rosilene Luduvico m'a marqué depuis que je l'ai vue pour la première fois en 2005, dans son exposition personnelle à Kunsthalle de Düsseldorf, lors d'un voyage de conservateurs et directeurs de musées brésiliens dans des centres d'art contemporain en Allemagne. Depuis, je n'ai pas oublié les œuvres exposées, et notamment Coup, une immense toile aérienne dont le bleu intense m'a donné envie de l'avoir à côté de moi, pour que je puisse la revoir, et encore... Plus tard j'ai perdu le contact avec son travail, mais le souvenir est resté, vivant, dans ma mémoire. Jusqu'en 2016 j'ai retrouvé sa production, désormais de manière continue et permanente.

Le premier point à souligner dans la peinture de Rosilene Luduvico est la cohérence de sa recherche et de sa production. Insensible aux modes, aux stéréotypes et aux « nouveautés », l'artiste, tout en suivant de près la scène internationale contemporaine, reste rigoureuse dans sa ligne de conduite. Comme un de ces moines de la peinture classique chinoise, elle continue, au fil des années, à approfondir et affiner son art, sans compromis. Un œil attentif voit clairement les transformations qui ont eu lieu en cours de route ; mais l'évolution de celle-ci se présente comme une patiente acquisition et accumulation de vertus.

Les motifs sont peu nombreux – paysages, notamment arbres et forêts, hommes et femmes endormis, « scènes » abstraites ou presque. Sous le signe de la répétition et de la variation ; mais ceux-ci ne se produisent pas en tension et en opposition - bien au contraire, il y a variation na répétition et répétition na variation. Pour cette raison, le sentiment de déjà vu, la fraîcheur d'un événement, plus précisément d'un haeccéité.

Je crois que le concept de haeccéité formulées par Gilles Deleuze et Félix Guattari peuvent effectivement nous aider à cerner la spécificité de l'art de Rosilene Luduvico, sa cohérence et sa singularité. En un mot : le « corps » de sa peinture.

Voyons ce que disent le philosophe et le psychanalyste : « Sur le plan de la consistance, un corps n'est défini que par une longitude et une latitude : c'est-à-dire par l'ensemble des éléments matériels qui lui appartiennent sous de tels rapports de mouvement et de repos. , de vitesse et de lenteur (longitude); par l'ensemble des affects intensifs dont il est capable, sous cette puissance ou ce degré de puissance (latitude). Uniquement des affects et des mouvements locaux, des vitesses différentielles. C'est à Spinoza d'avoir mis en évidence ces deux dimensions du Corps et d'avoir défini le plan de la Nature comme pures longitude et latitude. La latitude et la longitude sont les deux éléments d'une cartographie.

Il y a un mode d'individuation très différent de celui d'une personne, d'un sujet, d'une chose ou d'une substance. Nous réservons le nom de haeccéité. Une saison, un hiver, un été, une heure, une date ont une individualité parfaite à laquelle rien ne manque, bien qu'elle ne puisse être confondue avec l'individualité d'une chose ou d'un sujet. Ce sont des heccéités, au sens où tout y est une relation de mouvement et de repos entre molécules ou particules, le pouvoir d'affecter et d'être affecté. (…) Les contes doivent contenir heccéités qui ne sont pas de simples arrangements, mais des individuations concrètes valables pour elles-mêmes et commandant la métamorphose des choses et des sujets. Dans les types de civilisation, l'Orient a beaucoup plus d'individuations par haeccéité que par la subjectivité et la substantialité : ainsi, la hai-ku il doit nécessairement comporter des indicateurs tels que des lignes flottantes constituant un individu complexe. Chez Charlotte Brontë, tout est en termes de vent, des choses, des gens, des visages, des amours, des mots. (...) Un degré de chaleur, une intensité de blanc sont des individualités parfaites ; et un degré de chaleur peut se combiner en latitude avec un autre degré pour former un nouvel individu, comme un corps froid ici et chaud là selon sa longitude. Glace flambée à la meringue. Un degré de chaleur peut être doublé d'une intensité de blanc, comme dans certaines atmosphères blanches d'un été chaud. Ce n'est absolument pas une individualité de l'instant, qui s'opposerait à l'individualité des permanences ou des durées. (...) On peut concevoir un temps abstrait égal entre le heccéités et des sujets ou des choses. (…) Même lorsque les temps sont abstraitement égaux, l'individuation d'une vie n'est pas la même que l'individuation du sujet qui la mène ou la subit. Et ce n'est pas le même Plan : plan de cohérence ou de composition de heccéités dans un cas, qui ne connaît que les vitesses et les affects ; un tout autre plan de formes, de substances et de sujets, dans l'autre cas. Et ce n'est pas le même temps, la même temporalité. Aion, qui est le temps indéfini de l'événement, la ligne fluctuante qui ne connaît que les vitesses, et en même temps ne cesse de diviser ce qui arrive en un déjà-là et un pas-encore-là, un simultané trop tard et trop tôt- simultané, quelque chose qui en même temps va arriver et vient d'arriver. ET Cronos, au contraire, le temps de la mesure, qui fixe les choses et les gens, développe une forme et détermine un sujet. (…) Bref, la différence ne passe pas du tout entre l'éphémère et le durable, pas même entre le régulier et l'irrégulier, mais entre deux modes d'individuation, deux modes de temporalité.[I]

Le lecteur peut pardonner la longue citation. Mais il faut préciser sur quel plan la peinture de Rosilene Luduvico prend place, acquiert consistance. En effet, instaurant un espace-temps d'un autre ordre, un passage et une transformation, ses tableaux se constituent comme des événements, comme de pures haccéités, si l'on considère, avec François Zourabichvili, que « l'haeccéité est liée à un changement atmosphérique de nature ou d'esprit ». ”.[Ii] Dans le cas de Rosilene Luduvico, les deux.

C'est en ces termes que l'on peut affirmer avec certitude que nous sommes face à une peinture spirituelle. Touchée par l'haccéité de la nature, co-émouvée par elle, Rosilene Luduvico cherche et se donne les moyens de la recréer sur toile, pour, selon les termes de Deleuze, «ériger une image », « ériger des Figures », « ériger l'événement ». [Iii] Contemplatif par excellence, l'art de R. Luduvico est un exercice spirituel. Qui le fait et qui le voit.

Écrire sur l'exposition instant x instant, organisée par elle au Kunstverein Münsterland eV, en novembre 2010, Jutta Meyer zu Riemsloh souligne le caractère spirituel et contemplatif de la peinture des deux artistes de l'exposition – Antje Barnickel et Rosilene Luduvico. Mais, ce faisant, il les relie au romantisme. Ainsi, ses paysages seraient « des paysages d'âmes romantiques, des expressions d'états émotionnels individuels ». Cela se produirait parce qu'il y aurait une relation spéculaire entre l'image de la nature et l'intériorité de l'artiste, la peinture servant alors de miroir.

« Les deux artistes se caractérisent par une réceptivité et une sensibilité très développées par rapport à la nature ; cette condition résulte d'une relation mutuelle, dans laquelle le moi est reconnu dans la contemplation de la nature. Le reflet de leur propre état spirituel et, avec lui, des conditions spirituelles typiques de l'humanité en général, prend la forme d'un dialogue intérieur dans leurs œuvres. Cet état se présente dans une image magique qui se situe hors de portée de l'expérience réelle et de la connaissance empirique et prend une forme tout à fait distinctive, spécifiquement individuelle. Le moment de contempler et d'expérimenter la nature devient l'intervalle transitoire entre les visions intérieures et la construction de la réalité - sur le seuil entre l'émotivité et la délibération esthétique.[Iv]

Or, il me semble que, bien que pointant avec une grande sensibilité diverses qualités de la peinture de Rosilene Luduvico, zu Riemsloh, en l'inscrivant dans la matrice du romantisme, passe à côté de l'essentiel. A savoir : le haeccéité. Car si l'artiste était romantique dans les termes proposés, le sujet et la nature seraient déjà donnés avant la rencontre, tout comme l'image intérieure de l'artiste serait déjà donnée avant la création du tableau. En effet, tout ne serait plus qu'un rapport de reconnaissance entre des individualités établies, tout ne serait qu'une question de réflexion, de mise en miroir.

Mais si tel était le cas, à proprement parler, il n'y aurait pas d'événement, il n'y aurait pas de singularité ou d'individuation, tant dans l'espace-temps de la contemplation de la nature que dans l'espace-temps de la contemplation de la peinture. Dès lors, peindre ne serait plus ériger une image unique, mais projeter sur la nature un état d'esprit déjà donné, et non constitué affectivement et effectivement dans la rencontre avec elle.

Pour rendre plus palpable la production de l'événement pictural dans les tableaux de Rosilene Luduvico, rien de mieux que d'essayer de contempler l'un d'entre eux. Dans un échange de mails avec l'artiste, en mars 2020, elle mentionne qu'« il y a trois peintures « spirituelles » (bien qu'elle ajoute : « je ne sais même pas comment les appeler !! »). Il s'agit de Desserts, peint à Düsseldorf en 2014 ; dans Coeur pur, peint au Japon en 2017 ; c'est de grand vent, une série de trois toiles peintes au Brésil, en 2018.

Regardons cette série. Dans Gale, le événement se produit et "passe" dans le champ de vision. En ce sens, ce qui est vu est un instant dans l'espace-temps – le temps d'Aion, lorsque le cadre s'ouvre à la contemplation.

Ce que l'on voit d'abord, c'est la sérénité, le calme, la placidité de ce qui occuperait le fond. La sérénité s'impose, et c'est elle qui assure la « génération » de l'espace. Un espace indéfinissable, car il n'appartient ni à la surface ni à la profondeur – un espace sans fond. Ainsi, plus qu'une construction, un tel espace se configure comme une atmosphère.

tendant davantage vers blanc qu'exactement blanc, et affecté de taches-ombres très douces d'un rose très pâle, qui lui donnent un air d'été (fin d'après-midi), l'espace comme s'il se laissait être. Membrane vivante d'une manière d'être mystérieuse car insondable, plus translucide que transparente. Enigmatique, car paradoxalement lumineuse et opaque.

Dans cet espace les contraires peuvent se rencontrer et s'unir sans opposition. Ni intérieur ni extérieur, il n'est évidemment ni subjectif ni objectif, pour éluder et échapper à ces catégories. Un espace « entre » intensif.

Puisqu'elle est constituée en espace de contemplation, l'atmosphère, n'étant ni objective ni subjective, appartient à un autre ordre, à un autre plan, qui n'est pas celui du monde ordinaire. C'est, littéralement, un espace extra-ordinaire, qui fait peut-être écho à une première perception primitive du monde avant la séparation. Espace qui, saisi dans sa singularité, suscite l'étonnement. Car comment a-t-il été possible de capter cette atmosphère de contemplation de la nature à travers les ressources de la peinture ?

Cet espace-temps tout à fait unique est désormais présenté à sa puissance maximale sur les écrans de la série grand vent. Mais il est possible de reconnaître (rétrospectivement) que son expression picturale était recherchée depuis le début, depuis les œuvres du début des années 2000. Considérons, par exemple, Coup, de 2005, et d'autres tableaux de ces mêmes années, comme bruissement. Ou encore l'ambiance des forêts et des arbres divers. … Considérons aussi l'atmosphère qui se forme sur les visages des personnes endormies.

là, comme dans grand vent, l'espace de contemplation s'imposait déjà à la fois comme vecteur de la peinture de Rosilene et comme l'un des éléments clés de sa raison d'être. Mais désormais, l'espace de la contemplation s'affirme, sans aucun doute, dans sa plénitude, comme un espace métaphysique.

La création de cet espace sur la toile est due à la grande maîtrise de Rosilene des différentes techniques de peinture et de leur réalisation, en plus de sa connaissance intime de la performance qu'elle peut attendre des matériaux. Léon Krempel, directeur de Kunsthalle de Darmstadt observe : « Déjà pendant ses études à Düsseldorf, un restaurateur de tableaux l'a sensibilisée aux possibilités des bases de préparation des toiles. Depuis, elle prépare elle-même ses toiles, onéreusement, à la craie, qui les rend translucides et, avec sa surface mate, augmente l'intensité lumineuse de ses toiles. (…) La composition de la surface à la limite de l'abstraction et la suggestion d'une spatialité profonde ne sont pas exclues de son travail. L'observateur regarde la scène respective de loin ou d'en haut. Il permet rarement d'aligner les contours en perspective, par exemple lors du dessin d'un grand palmier très proche de celui-ci. La couleur pour elle n'est pas la couleur locale, mais un événement, car, en principe, il est imprévisible de choisir dans une palette potentiellement infinie et avec une tendance aux couleurs chaudes. Sa manière de peindre est richement variable. Des coups de pinceau vigoureux et larges sont visiblement entrecoupés de coups courts et sans prétention. Comme dans son dessin, elle ne peut pas corriger ses lignes. Ils doivent s'installer comme ils sont.[V]

Em grand vent, c'est donc un espace primitif en expansion – un espace qui aspire et respire. Dans ce document, les couleurs sont et sont lâches dans l'air. Ce sont eux qui vous affecteront avec puissance et intensité.

Tout d'abord, il convient de souligner le contraste entre le procédé de peinture du sans fond et ses taches roses diaphanes et les lignes colorées qui composent le tourbillon de grand vent. Si dans la première l'œuvre valorise le caractère éthéré et diffus des coups de pinceaux, dans la seconde prédominent des interventions courtes et rapides, variées, libres, mais non moins précises dans leur application sur toile. Dans l'espace de contemplation, le passage fort et turbulent du vent se crée, apportant le désordre à l'harmonie.

La matière se brise en particules de couleur pure, se dispersant dans toutes les directions. Cependant, on constate que cette débauche de couleurs et de tons (qui n'arrivent jamais à se dessiner) obéit à un double mouvement - à la fois centrifuge et centripète -, tendant l'espace et la composition du tableau, dans son ensemble. Désorienté et enchanté, le spectateur est soudain attiré et emporté par la tempête qui s'approche de lui, mais elle a déjà soufflé et continuera. En ce sens, tout se passe comme si le présent était une merveilleuse agitation, une extase.

Se répercutant dans l'espace de contemplation, la délicatesse des coups de pinceau et des couleurs s'imprime sur grand vent un rythme, un mouvement poétique presque musical. En fait, nous avons presque entendu le souffle du vent, avec ses brusques changements de direction.

Il est important de noter cependant que, bien qu'énergique, le mouvement de déplacement d'air ne compromet pas l'harmonie de la composition, assurée par le sans fond. Il y a un dérangement... mais si elle se borne à remuer l'insondable et à transformer l'atmosphère, c'est que la composition est menée d'une main de maître : plus que savoir ce qu'elle veut, Rosilène sait ce qu'elle peut. Et il peut ce qu'il veut, aussi bien qu'il veut ce qu'il peut. L'artiste maîtrise son art. D'où la puissance picturale de grand vent.

Invité à participer au numéro du magazine Le tiroir, dédié à la couleur Vert, Rosilene Luduvico fournit un additif verbal synthétique aux détails de grand vent soufflant à travers les pages de la publication:

« Vert, vital ? Temple.
Quelle utilisation ? Vent
Quelles propriétés ? Air.
Un environnement préféré ? Montagne.
De la Nature ou jamais ? Nature.
Où aller? Amazone."[Vi]

Ses réponses ont quelque chose d'oriental. Comme, d'ailleurs, sa peinture – non seulement en raison de sa longue relation avec le peintre japonais Takeshi Makishima et de ses séjours au Japon, mais aussi et surtout de son esprit ouvert à la philosophie et à l'éthique. Zen. Bien que très discret (et pour cause!), cette présence laisse des traces dans son œuvre, dans sa conduite et même dans les titres de ses œuvres. Dans les peintures éphémères qu'il a réalisées ces dernières années, cela saute aux yeux : que l'on puisse voir, par exemple, sa peinture murale L'esprit de la beauté freine ses fleurs tout autour de sa chambre, à partir de 2018, exposé à Collection Philara, à Düsseldorf.

Pensons aussi aux apparitions de ses arbres – images éthérées qui peuplent nombre de ses toiles, réduites au statut présentiel d'une réalité impermanente, images érigées en événement de la nature Et, enfin, pensons à son insistance à peindre le « portrait » des dormeurs. En fait, de telles œuvres s'opposent absolument à la tradition du portrait, depuis ses débuts, dans le naturalisme du Fayoum. Car si le portrait se veut, par excellence, l'expression de la personnalité du dépeint, de son individualité comme forme et matière, les anti-portraits, ou plutôt les non-portraits que peint Rosilene Luduvico, cherchent à capter le haeccéité, la transformation spirituelle secrète s'opérant sur le visage du dormeur. C'est-à-dire leur autre individuation, celle involontaire qui les affecte lorsque la présence est absente du champ de la reconnaissance et s'abandonne aux intensités.

Plongée dans la contemplation du changement atmosphérique de la nature et de l'esprit, l'artiste, comme ses « portraits », semble occuper ce non-lieu, ce non-point de vue, cet espace-temps entre rêve, sommeil et éveil, qui fissure ineffable où s'érige l'image spirituelle. heccéité de la peinture.

*Laymert García dos Santos il est professeur à la retraite au département de sociologie de l'Unicamp. Auteur, entre autres livres, de Politiser les nouvelles technologies (Editeur 34).

notes

[I] Deleuze, G. & Guttari, F. Mille plateaux. Paris, Minuit, 1980, p. 318-320. Dans la traduction brésilienne, mille plateaux, vol. 4, São Paulo, éd. 34, 1997, p. 47-49. Trans. Par Suely Rolnik.

[Ii] Zourabichvili, F. Deleuze – Une philosophie de l'événement. Paris, Presses universitaires de France, 1994, p. 118. Dans la traduction brésilienne, Deleuze : Une philosophie de l'événement. São Paulo, éd. 34, 2016, p. 143. Traduit par Luiz BL Orlandi.

[Iii] Idem, p. 128. Dans la traduction, p. 148.

[Iv] Meyer zu Riemsloh, J. "Moment x Moment", dans instant x instant – ​​Antje Barnickel & Rosilene Luduvico. Kunstverein Münsterland e. V., Bönen/Westfalen, Druckverlag Kettler GmbH, 2010.

[V] Krempel, L. "Pierres de couleur". dans Aube – Rosilene Luduvico. Catalogue de l'exposition organisée par Ronaldo Barbosa à Espaço Cultural Palácio Anchieta, Vitória, Studio Ronaldo Barbosa, hiver 2018, pp. 7-8.

[Vi] Le tiroir - Tome 16 – Vert. Paris, mars 2019, p. 22.