Par DENILSON CORDEIRO*
Commentaire sur la pièce mise en scène par Gerald Thomas
"Ici on ne voit plus rien (…) du véritable acteur qui, précisément dans sa plus grande activité, est totalement apparence et plaisir d'apparaître." (Friedrich Nietzsche, L'origine de la tragédie).
La pièce Traître, de Gerald Thomas, interprété par Marco Nanini, est un patchwork qui ne se réalise pas, ou peut-être ne se réalise que pour le metteur en scène et le dramaturge. Et qui sait, ce qui est moins probable, aussi pour l'acteur. Il n'y a pas à proprement parler d'intrigue, mais une séquence apparemment chaotique de souvenirs, de commentaires, de critiques, d'extraits de publicités et d'emportements du personnage, dont la matrice – comme suggéré – fait partie de la biographie de l'auteur du texte lui-même. La vie à New York et l'attente d'un visa permanent, le séjour dans un hôtel à Punta Cana, les conditions de vie pénibles au Brésil, etc. forment une mosaïque d’autoréférences persistantes.
Le décor suit le scénario : un amas désorganisé de ruines, d'objets, une poupée géante ressemblant à un homme politique ligoté, des restes de colonnes en béton, des accessoires et un fauteuil – sorte de trône improvisé, depuis lequel l'acteur parle assis pendant une grande partie de la journée. le jeu. . Au milieu de l'œuvre, un ensemble de chiffons et d'éclats descend du plafond, dans lequel se détachent des tuiles d'amiante ou de métal, sans aucune signification ni participation à l'amalgame narratif.
Les costumes sont d'un goût douteux, typiques du panier en forme de chat que l'on appelle conventionnellement « post-moderne ». Il y a quatre acteurs secondaires qui se déplacent sur la scène, tantôt en sautant, tantôt en se traînant, composant la scène davantage dans le cadre du décor ou, tout au plus, comme assistants de l'acteur pour le changement de vêtements, l'eau, le repos, etc. Les répétitions des répliques du protagoniste et des gestes des personnages secondaires sont fatigantes et ennuyeuses. Cependant, la conception sonore et l'éclairage ressortent positivement, qui forment un spectacle beau et donc contrasté à part entière.
Il s'agit visiblement d'une surproduction, si l'on considère, comme échantillon et symptôme, le programme luxueux de la pièce, sur papier couché, quadrichromie, graphisme et réalisation exquis et photographies professionnelles, un dispositif dont très peu de productions théâtrales ont pu disposer actuellement, jusqu'à pour les questions environnementales. La seule justification de l'attrait de la pièce est le fait qu'elle réunit des acteurs et metteurs en scène célèbres, tous deux clairement en fin de carrière. Sans cela, le morceau serait mort-né, car l'arbre, s'il était autrefois fécond, est desséché.
Marco Nanini a été rétrogradé au rang d'un personnage pathétique, caricatural et vulgaire pris pour porte-parole de la biographie de Gerald Thomas – c'est-à-dire narrateur de la fable d'un homme autoproclamé. enfant terrible, qui ne voudrait plus être brésilien, vit à travers le monde dans des errances et des aventures farfelues. La composition entend inclure des éléments programmatiquement déconnectés, tels que des scènes de publicités pour les saucisses, le plaisir d'écouter de la musique classique, d'étudier L'origine de la tragédie, de Nietzsche, le (faux) enthousiasme de participer à un complot policier, de vivre une histoire tragique, de souffrir avec une sensibilité toujours à fleur de peau. Ce n’est pas un texte qui permet à l’acteur de montrer ce qu’il peut et ce qu’il sait, car l’acteur n’a été utilisé que comme un accident de luxe, consommé publiquement comme une marchandise spectaculaire. Bref, une histoire perverse au coucher.
J'ai réfléchi un instant à ce qui pouvait être particulièrement brésilien en termes de conception et de réalisation de la pièce. Pas facile à distinguer. Supposons que des décombres du récit nous puissions entrevoir le souvenir négatif (pour employer un euphémisme, car la calomnie, les plaintes et les jurons prévalent) d'un acteur à la retraite. On peut identifier l'intrigue avec une glose sur le thème littéraire de ce que l'on pourrait appeler « l'équilibre de la vie ».
Thème qui guide, volontairement ou involontairement, toute condition de vie qui se dirige vers la fin, donc d'usage relativement répandu dans les élaborations réflexives et discursives les plus courantes et, donc, accessible à tous. En tant que candidat à une œuvre d'art, il serait raisonnable d'attendre quelque chose, au moins, de plus créatif, différent, et donc avec une dose réservée de surprise et une invitation à la sensibilité du public. Cependant, au-delà de la charge symbolique de la célébrité qui précède l'acteur et le réalisateur, on suit une séquence de lieux communs, au sens contemporain (post-moderne ?) de trivialités ou, pire, de frivolités.
De l'expérience d'avoir vécu à New York, le point culminant a été la difficulté d'obtenir un visa, quelque peu élémentaire si l'on se met, en tant que Brésiliens, à la place du narrateur. Donc rien de nouveau. De l’expérience de recherche sur l’implication nord-américaine dans la dictature du Brésil, rien de plus que la thèse bien connue (et vraie) selon laquelle il s’agissait d’un partenariat. L’expérience d’une vie d’acteur aboutit à l’observation banale de quelqu’un qui se considère donc comme un puits de sensibilité.
De l’expérience de la lecture de Nietzsche ressort un commentaire typique du néophyte : un nom difficile à prononcer ou à épeler. Rien sur ce que serait particulièrement new-yorkais de la culture américaine – hormis la crash de la Bourse, en 1929, mentionné dans l'article –, par exemple. Rien de ce qu'on a pu découvrir sur la recherche archivistique, l'étude de l'histoire, ni sur les rapports entre représentation théâtrale et représentation sociale quotidienne.
Pas une miette sur les conséquences de l'étude de l'origine de la tragédie sur le changement de la manière d'appréhender le travail de l'acteur ou les performances. Ce type de traitement prétendument original qui aboutit à des clichés est peut-être l'un des traits qui émanent d'une condition de vie et de réflexion tiède, qui au Brésil se rapproche du goût moyen de la classe moyenne prétendument alphabétisée et de ses environs.
Il ne serait pas nécessaire de rappeler qu'il existe d'innombrables pièces de théâtre remarquables, mais aussi des romans, des poèmes et des récits, qui reprennent et développent ce thème et cette condition d'équilibre d'une vie et qui pourraient servir de guide et d'inspiration à l'auteur.
L'émulation est une ressource pour ceux qui, sensés et conscients de la chimère de la nouveauté immédiate et des limites énonciatives de tout présent, font appel aux références traditionnelles pour s'éduquer et éviter le risque de « réinventer la roue », pariant témérairement sur l'accès sans médiation à un originalité intime et authentique. Même et peut-être à plus forte raison si le projet consiste à concevoir une intervention et une avant-garde, car sans savoir à quoi elle s'oppose, l'effet aboutit presque toujours à des platitudes et, assez souvent, à des absurdité. Il n’y aurait pas de Shakespeare ni de Beckett s’ils s’étaient considérés avant tout comme des « génies » indépendants de toute tradition.
Si, au contraire, la pièce se voulait effectivement un manifeste esthétique, un renouveau de l'art de la scène, et que cela impliquait une formule si audacieuse et si disruptive qu'il ne serait pas possible de la comprendre sans une érudition suffisante, alors, encore une fois, en tant que présentation destinée à un public presque illimité, outre, bien sûr, la censure de la présence d'enfants, le résultat serait un spectacle codé pour débutants, qui nécessiterait des critères de sélection plus rigoureux dans la composition du public, en la définition des appels publicitaires et, par conséquent, quelque chose de la nature même du théâtre.
S'il entendait défier le goût moyen, ne pas accorder la préférence suspecte des anonymes et des piétons, ne pas renoncer à une beauté ésotérique insoupçonnée, il a fini par offenser presque tout le monde, se plaire tout au plus à lui-même (l'auteur, en l'occurrence) et neutraliser tout chance d'esthésie, à l'exception de celles liées à l'inconfort, à l'ennui et au refus.
Autre hypothèse concernant la question ci-dessus : le bovarisme étant « le pouvoir accordé à l'homme de se concevoir comme différent de ce qu'il est », comme l'écrit Jules de Gaultier cité par Maria Rita Kehl dans Bovarisme brésilien, nous pourrions, pour le cas en question, rappeler que ce trait, désir récurrent, apparaît dans le vaste catalogue national de nos particulières formations imaginaires, en même temps que nous sommes conscients de la tragédie sociale qui nous caractérise en tant que société, d'être autre, différent, mais pas tellement, de nier sans refuser la source du support esclavagiste des modes de vie élevés, des cercles restreints de coexistence sociale, de la sociabilité illustrée des salles culturelles raffinées, de pouvoir laisser libre cours aux projets et le désir d'être un habitant du monde, de ne connaître aucune frontière.
Il n'y aurait pas un clin d'œil subtil entre pairs, pour très peu de gens donc, des gens d'une autre origine qui se reconnaissent, et en aucun cas, pratiquement, semblables au Brésilien ordinaire, d'une nation sophistiquée et cosmopolite, dans le mouvement aléatoire et hermétique dont il s'est revêtu, le défilé d'éclats de la pièce ?
Quoi qu'il en soit, tout aboutit à un expérimentalisme inadapté et vide, à des appels d'un goût douteux à l'histrionique et à un langage « déconstruit », parce que prétendument cool, anticlassique, mal élevé et très peu communicatif, peut-être parce que transmettre un message est vraiment quelque chose à faire. être refusé a priori comme valeur esthétique avant-gardiste dans la conception théâtrale du propriétaire de la pièce. Quoi qu'il en soit, l'effet pourrait être nul, mais le pire est qu'il est ennuyeux, ennuyeux et trompeur en tant que représentation théâtrale.
Et c'est juste une pièce de 50 minutes, qui ressemblait plutôt à 50 heures. C'était l'une des pires pièces que j'ai jamais vues. La signification du titre pourrait donc signifier le sentiment de quelqu'un qui croyait en la promesse, se rendait au théâtre en attendant une instruction, une agitation ou un divertissement et, à la fin, découvrait qu'il n'y avait rien.
*Denilson Cordeiro Professeur de Philosophie au Département des Sciences Exactes et de la Terre de l'Unifesp, campus Diadema.
Note
[1] Je tiens à remercier Marian Dias et Joaci Pereira Furtado pour leur dialogue et leur collaboration continus.
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